Die Brigham Young University Singers aus den USA und der Kirche Jesu Christ der Heiligen der Letzten Tage sind ein spannender Chor mit beeindruckenden Stimmen und einem breiten Spektrum an Stilrichtungen. Unter der Leitung von Andrew Crane führt die Gruppe Stücke aus fast allen Musikgenres sowie viele Originalwerke auf, die für den Chor geschrieben oder arrangiert wurden. Auf internationaler Ebene haben die BYU Singers bei namhaften europäischen Wettbewerben den ersten Platz belegt. Sie haben Konzerte in einigen der renommiertesten Veranstaltungsorten der Welt gegeben, darunter die Carnegie Hall in New York City und das Kennedy Center in Washington, D.C. Sie sind durch die Vereinigten Staaten gereist und haben 28 Länder besucht. Der Chor vertrat unter anderem die Vereinigten Staaten beim Vierten Weltchorsymposium 1996. Das Ensemble war in vier für die Corporation for Public Broadcasting produzierten Sendungen im nationalen Fernsehen zu sehen und hat zehn Soloalben veröffentlicht. Seine Online-Inhalte zählen durchweg zu den meistgestreamten amerikanischen Universitätschören. Die BYU Singers wurden 1984 von Ronald Staheli gegründet. Die BYU Singers bestehen aus rund 40 Studenten, die verschiedene Bachelor- und Masterstudiengänge absolvieren, und haben ihren Ursprung in der School of Music des College of Fine Arts and Communications der Brigham Young University in Provo, Utah. Die BYU ist eine der größten privaten Universitäten des Landes mit mehr als 30.000 Studierenden aus allen Teilen der Vereinigten Staaten und 120 anderen Ländern.

Le Chant sur la Lowé aus Gabun, ein gemischter Chor aus etwa dreißig Mitgliedern, die sich 1990 gründeten. Seine Mission ist es, hochwertige Gesangsdarbietungen über den traditionellen kirchlichen Rahmen hinaus zu fördern und ein säkulares Publikum in Gabun und darüber hinaus zu erreichen. Außerdem möchte er das musikalische Erbe Gabuns der Welt näherbringen, indem er eine breite Palette gabunischer Volkslieder in allen Sprachen Gabuns aufführt. Die Authentizität der Gruppe spiegelt sich in ihren einzigartigen Musikstücken wider, die aus dem Herzen des äquatorialen Regenwaldes stammen, sowie in ihren Kostümen, Schmuckstücken und Choreografien, die aus dem reichen kulturellen Erbe Gabuns stammen. Le Chant sur la Lowé gibt regelmäßig öffentliche Konzerte und verschiedene private Aufführungen in Gabun. Die Gruppe hat Gabun auch bei mehreren internationalen Veranstaltungen, Festivals und Wettbewerben im Ausland vertreten.

Der Staatliche Kammerchor Polifonija aus Šiauliai (Litauen) unter dem künstlerischen Leiter und Chefdirigenten Povilas Vanžodis ist einer der bekanntesten professionellen Chöre Litauens. Er wurde 1974 von Dirigent Sigitas Vaičiulionis zum Neujahrskonzert gegründet, das seither jährlich stattfindet. Polifonija ist das einzige Vokalensemble für Alte Musik in ganz Litauen, das Werke von Komponisten der Renaissance und des Barocks aufführt. Anfangs wurde es vom Pädagogischen Institut Šiauliai gefördert, später von der Musikhochschule Šiauliai. Im Jahr 1979 wurde ihm der Titel eines nationalen Ensembles verliehen und der Chor erhielt den Namen „Polifonija“; 1986 erhielt Polifonija den Status eines professionellen Ensembles und wurde zum Staatlichen Kammerchor der Litauischen Staatsphilharmonie in Šiauliai. Heute hat Polifonija es sich zur Aufgabe gemacht, die litauische Chormusik zu verbreiten und die Tradition der litauischen Chorkunst zu erhalten. In den rund fünfzig Jahren seines Bestehens gab der Chor etwa 4000 Konzerte und unternahm Tourneen in fast alle Länder Europas, nach Russland, Argentinien und Brasilien. Er gewann Preise bei mehreren internationalen Wettbewerben.

Das Kölner Gagaku Ensemble aus Deutschland und Japan vertritt gleich 3 Religionen: Buddhismus, Shinto und Tenri. Prof. Robert Günther gründete im Jahr 2000 gemeinsam mit Rev. Masatoshi Shamoto und Yoshiro Shimizu das erste Gagaku-Ensemble Europas. Günther spielte eine entscheidende Rolle dabei, die japanische Musik und Kultur nicht nur in Deutschland zu vermitteln, sondern auch aktiv zu praktizieren. Er gilt daher als Pionier des Gagaku in Europa und der musikethnologischen Methode der Bi-Musicality.

Gagaku, die Hofmusik, ist eine der ältesten Ensemblemusiken der Welt und hat eine über 1200 Jahre alte Geschichte. Im Spiel des Gagaku lässt sich durch eine abweichende Musiktheorie eine Diskrepanz zu anderen Musikgattungen beobachten, und diese Spielweise wird bis heute systematisch ohne große Veränderungen überliefert. Das japanische Gagaku geht auf die chinesische Ritualmusik Ya-yue aus der Tang-Dynastie zurück. Die Musik wurde vor etwa 1200 Jahren aus China nach Japan eingeführt. Da diese Musikgattung in anderen asiatischen Ländern wie China und Korea längst verlorengegangen ist und ihre ursprüngliche Spielweise heute nur noch in Japan tradiert wird, nennt man Gagaku die traditionelle japanische Hofmusik.

Das Ensemble Kol koré (Die Stimme ruft) aus Deutschland und Israel präsentiert Kompositionen aus der jüdischen geistlichen Tradition. Dazu gehören Werke der jüdisch-orthodoxen Liturgie und aus dem Repertoire der jüdischen Reformbewegung, Musik aus Ost- und Mitteleuropa sowie moderne Schöpfungen aus Nordamerika. Außerdem werden Werke aufgeführt, die den christlich-jüdischen musikalischen Dialog verkörpern. Das Ensemble besteht aus der Kantorin Aviv Weinberg, dem Hornisten und Schofar-Virtuosen Bar Zemach und dem Pianisten Jascha Nemtsov. Weinberg wurde in Israel geboren und lebt in Berlin. Sie ist an der Jüdischen Gemeinde Celle und darüber hinaus europaweit tätig. Außerdem engagiert Weinberg sich seit langem im christlich-jüdischen Dialog. 2018 entstand ihre erste CD „Jazz goes Synagogue“. Bar Zemach ist Solo-Hornist des West-Eastern Divan Orchestra unter Daniel Barenboim. Zemach setzt sich leidenschaftlich dafür ein, den Schofar als vollwertiges klassisches Instrument zu etablieren. Seine einzigartige Fähigkeit, auf dem heiligen jüdischen Musikinstrument Melodien zu spielen, hat bereits das Publikum in verschiedenen Ländern begeistert. Jascha Nemtsov ist ein international renommierter Pianist und Professor für Geschichte der jüdischen Musik in Weimar und Potsdam. Er nahm bislang mehr als 40 CDs auf, darunter zahlreiche Ersteinspielungen von Werken wiederentdeckter verfolgter Komponisten. 2007 bekam er den Preis der Deutschen Schallplattenkritik und 2018 den Preis OPUS KLASSIK.

Prassanna Vishwanathans Musik ist in der resonanten Stille des Dhrupad, der ältesten Rāga-Musiktradition Nordindiens, verwurzelt und entspringt aus den Tiefen meditativer Klänge und Stille. Prassanna Vishwanathan tritt als vierköpfiges Ensemble auf. Neben Prassanna als Hauptsänger, wird ein Pakhawaj-Trommel-Spieler (Shri Sukhad Munde), eine Tanpura-Spielerin (Sarah Dunn) sowie eine weitere Sängerin (Rohini Srikumar) die Dhrupad-Musik aufführen.

Prassanna selbst ist ein hochrangiger Schüler des Dhrupad-Meisters Uday Bhawalkar, dem führenden Vertreter dieser Kunstform. Prassanna wurde in der Guru-Shishya Paramparā-Tradition ausgebildet, der klassischen Lehrer-Schüler-Linie, die eine tiefe spirituelle Verbindung zwischen Lehrer und Schüler verkörpert.

Prassanna ist selbst ein angesehener Lehrer des Dhrupad. Durch Dhrupad-Gesangsworkshops in Indien und Europa hat Prassanna Künstler, Studenten und Musikliebhaber in die zeitlose Erfahrung dieser alten Kunst eingeführt, in der Atem zu Melodie wird und Klang zu einer tiefen Versenkung des Geistes.

Das Naghash Ensemble aus Armenien vereint die Spiritualität altarmenischer Musik mit neuer Klassik, Postminimalismus und der Energie von Rock und Jazz. Drei brillante Sängerinnen und virtuose Instrumentalisten an Duduk, Oud, Dhol und Flügel spielen neue Musik, die auf den Texten des mittelalterlichen Dichters und Priesters Mkrtich Naghash basiert. Die „Songs of Exile“, die der amerikanische Armenier John Hodian für das Naghash Ensemble komponiert hat, bilden eine ergreifende Meditation über die Beziehung des Menschen zu Gott – aus der Perspektive eines Priesters, der gezwungen war, lange Jahre im Exil zu verbringen. Zudem sind beim Festival Musica Sacra International liturgische Gesänge aus dem Patarag (der armenischen Liturgie), mittelalterliche Sharakans (geistliche Hymnen) und Werke des Komponisten Komitas Vardapet, des Begründers der modernen armenischen Musik, zu hören. „Erhabene Musik zwischen Stolz und Schönheit, Trauer und Hoffnung“ schrieb das Hamburger Abendblatt und in der BR Klassik-Kritik heißt es: „Eine Musik, von der man kaum sagen kann, ob sie alt oder neu klingt, fremd oder vertraut, westlich oder östlich, schlicht oder komplex, minimalistisch oder mittelalterlich. Eine Musik jedenfalls, die sich jeder Etikettierung entzieht.“

Das Efsun Ensemble wurde 2025 von Osman Öksüzoğlu gegründet, mit der Vision, die tiefe Schönheit und emotionale Ausdruckskraft der traditionellen türkischen Musik einem internationalen Publikum näherzubringen. Der Name „Efsun“ steht für eine geheimnisvolle Anziehungskraft—einen Zauber, der die Zuhörenden in eine andere Welt entführt. Dieses Wesen prägt die künstlerische Philosophie des Ensembles: einen Klangzauber zu weben, der Zeit und Kultur überschreitet.

Das Repertoire des Efsun Ensemble reicht von frühen anatolischen und osmanischen Kompositionen bis hin zu zeitgenössischen Werken, die von jahrhundertealten Musiktraditionen inspiriert sind. Jede Aufführung ist ein Dialog zwischen Bewahrung und Erneuerung—das kulturelle Erbe bleibt lebendig und gegenwärtig.

Das Ensemble spielt auf traditionellen Instrumenten wie Ney, Tanbur, Oud, Kudüm, Kanun und Kemençe und lässt so die klanglichen Feinheiten vergangener Epochen wiederaufleben. Mit Konzerten und Aufnahmen lädt das Efsun Ensemble dazu ein, den meditativen, poetischen und zeitlosen Geist der türkischen Musik zu erleben—einen Klang, der uralt und doch lebendig ist.